Every summer, New York transforms into a unique crossroads where curious moviegoers, cinema enthusiasts, and films from across Asia meet. The New York Asian Film Festival (NYAFF), which started modestly with a handful of programmers convinced these movies deserved to be seen, has evolved over time into an eagerly anticipated event. What strikes you when you attend is not only the diversity of the films, but the energy behind it: a genuine desire to share, transmit, and create a space where works can connect with audiences that might never have discovered them otherwise.
The festival has never sought to divide genres or generations. You can seamlessly transition from a restored classic to an independent debut feature, and then to a Korean blockbuster without anything feeling out of place. It is this blending of styles, eras, and sensibilities that defines NYAFF’s identity. It feels like traversing a living cinematic landscape, where every film tells a distinct facet of what Asian cinema can be today.
This year, Korean cinema holds a particularly prominent place. Not out of a obligation to "do Korean," but because it continues to offer a rich variety of voices and narratives that speak to a broad audience. Thrillers, historical dramas, queer cinema, melodramas, comedies, and auteur cinema all coexist and respond to one another, making the selection remarkably dynamic.
To better understand this vision and programming effort, we had the privilege of speaking with Samuel Jamier, President of the NYAFF Foundation, on July 26. His personal and professional insights shed light on the festival’s mission, recent trends in Korean cinema, and how these films build cultural bridges between Korea and the United States.
1. How would you describe NYAFF's mission today?
Samuel Jamier: “NYAFF remains faithful to its founding principle: sharing films close to our hearts and creating the best possible conditions for audiences to discover them. This principle has never changed, even as the festival grew and professionalized. Today, this means providing a vibrant picture of Asian cinema in all its diversity, allowing New York audiences to encounter works they might otherwise never see. We want to show popular films made with conviction, independent debut features, and restored classics, placing them in the same theaters to foster a natural dialogue across generations and sensibilities. This year, My Sassy Girl and The Chaser stood alongside 3670, Hallan, and Frosted Window, illustrating this commitment. The presence of filmmakers is also essential. A screening changes completely when the audience can converse directly with the person who created the film. That conversation and energy cannot be replicated on a smartphone or a streaming platform. This human connection is the core strength of the festival and justifies its existence.”
2. What makes Korean cinema so special within the festival?
Samuel Jamier: “Korean cinema is deeply personal to me. As an adoptee raised in Brittany, films were one of my first windows into Korea, long before I lived there or learned the language. They showed me its modernity, historical depth, comedy, violence, sensitivity, and political divisions—sometimes within a single movie. That is why I have always resisted reducing Korean cinema to a single genre or ‘national brand.’ Its strength comes from its breadth and the surprising fluidity between commercial and auteur traditions. Korean directors navigate effortlessly between thrillers, melodramas, comedies, horror, or historical films, often within the same project. Historical traumas, class struggles, family obligations, and political rifts are woven into these narratives without turning the films into lectures. Korean films can shift emotional registers multiple times while remaining cohesive. Even an imperfect film is rarely boring. This creative dynamism explains its unique place in our programming and the audience's deep attachment to it.”
3. How do you select Korean films and directors for the program?
Samuel Jamier: “Selecting Korean films involves monitoring various industry sectors: major theatrical releases, independent productions, festival highlights from Busan or Jeonju, emerging directors moving from series, restorations, and diaspora cinema. Our programmers watch as much as possible, then compare notes, debate, change minds, and establish an editorial line. The first question is: does the film stay with us after the screening? Next, we consider its impact on a New York audience, what it brings to the overall lineup, and whether it provides access to a side of Korean cinema the public might not otherwise encounter. Colony or Hope had the scale and blockbuster energy for major screenings. The King’s Warden reflected local Korean audience tastes, which is crucial since domestic hits are sometimes overlooked internationally. Hallan and My Name address the Jeju April 3 Incident through two distinct cinematic traditions. 3670 explores a rarely depicted queer Seoul. Frosted Window represents a quieter, literary direction. We want films to complement, contradict, and answer each other, forming a sincere and intentionally multi-faceted portrait of the country.”
4. What trends do you observe in recent Korean cinema?
Samuel Jamier: “Financing has become more cautious: mid-budget films are disappearing, and major companies are betting on fewer but larger projects. This makes it harder for younger directors to transition to more ambitious films. Proven formulas are often repeated until exhaustion, whether police comedies, social allegories, or high-concept thrillers. However, Korean audiences are demanding and tire quickly, forcing the industry to constantly innovate. Certain directors are pointing to new paths: Ha Myung-mi transitions from rural violence in Her Hobby to historical scale in Hallan; Park Joon-ho links defectors and the queer community in 3670; Kim Jong-kwan continues his literary cinema of Seoul built around life’s quiet dramas. The pressing question is whether these directors will be given enough space for their next projects. The system must allow them to keep creating, or part of Korean cinema’s vitality risks fading.”
5. How does the festival support independent Korean filmmakers?
Samuel Jamier: “A great film can be overlooked simply because the director is unknown. Our festival tries to reduce that hurdle by offering prominent premieres, packed theaters, solid Q&A sessions, and visibility among distributors, producers, and programmers. Support also means investing in long-term relationships. We want to welcome filmmakers back with their second or third, perhaps more ambitious, films, rather than celebrating them once and forgetting them. Overall, independent Korean filmmakers need a production and distribution ecosystem that allows them to continue making features and showcasing them both in Korea and abroad. A successful screening in New York can provide proof of audience, media coverage, and international interest. It is concrete support, even if it cannot replace a robust industrial infrastructure.”
6. How does the festival help build cultural bridges between Korea and the United States?
Samuel Jamier: “Cinema enables unique exchanges: for two hours, a film immerses the audience in someone else's life, fear, grief, or home. It provides an emotional entry point unachievable in other media. This year, many New Yorkers discovered the Jeju April 3 Incident through Hallan and My Name without prior historical or political context. We also program Korean-American experiences in the same lineup: Andrew Ahn, Justin H. Min, and others. In New York, Korean cinema naturally includes themes of migration, adoption, diaspora, and mixed identity. Jeju’s landscapes, the queer social sphere of 3670, and Korean-American family dynamics offer tangible anchors for audiences. That is how lasting cultural bridges are built, extending far beyond the festival’s duration.”
매년 여름, 뉴욕은 전 세계영화 팬들과 호기심 어린 관객, 그리고 아시아 전역에서 온 영화들이 만나는 특별한 교차로로 변모합니다. 이러한 영화들이 대중에 보여질 자격이 있다는 확신을 가진 소수의 프로그래머들로 겸손하게 시작한 뉴욕 아시아 영화제(NYAFF)는 시간의 흐름과 함께 많은 이들이 기다리는 주요 행사로 자리 잡았습니다. 현장에서 느껴지는 가장 큰 특징은 단순히 영화의 다양성뿐만 아니라, 작품을 공유하고 전달하며 오프라인에서 관객과 만나게 하려는 뜨거운 열정입니다.
NYAFF는 장르나 세대를 인위적으로 구분하지 않습니다. 복원된 고전 영화에서 독립 장편 데뷔작, 그리고 한국의 블록버스터로 자연스럽게 이어지며 독특한 조화를 이룹니다. 다양한 스타일과 시대, 감성을 아우르는 이러한 방식이 NYAFF만의 고유한 정체성을 형성합니다. 관객들은 오늘날 아시아 영화가 보여줄 수 있는 다채로운 스펙트럼을 담은 생생한 영화적 풍경을 경험하게 됩니다.
올해 한국 영화는 특히 강력한 존재감을 보여주고 있습니다. 단순히 '한국 콘텐츠'를 채우기 위해서가 아니라, 넓은 관객층과 소통할 수 있는 다양한 목소리와 서사를 꾸준히 제공하고 있기 때문입니다. 스릴러, 역사 드라마, 퀴어 영화, 멜로드라마, 코미디, 작가주의 영화에 이르기까지 다채로운 작품들이 서로 공존하며 깊이 있는 대화를 만들어냅니다.
이러한 프로그래밍 비전과 과정을 더욱 깊이 이해하기 위해, 지난 7월 26일 NYAFF 재단의 사무엘 자미에(Samuel Jamier) 대표와 이야기를 나누었습니다. 그의 개인적이면서도 전문적인 시각을 통해 영화제의 미션, 한국 영화의 최근 트렌드, 그리고 영화가 한국과 미국 간의 문화적 다리를 놓는 방식에 대해 알아봅니다.
1. 오늘날 NYAFF의 미션을 어떻게 정의하시겠습니까?
사무엘 자미에: “NYAFF는 설립 당시의 원칙인 '우리가 애정하는 영화를 공유하고, 관객이 이를 발견할 수 있는 최선의 환경을 만드는 것'을 충실히 지키고 있습니다. 영화제의 규모가 커지고 전문화되었음에도 이 원칙은 변함이 없습니다. 오늘날 이는 아시아 영화의 다채로운 모습을 생생하게 전달하고, 뉴욕 관객들이 다른 곳에서는 접하기 어려웠을 작품들을 만날 수 있게 하는 것을 의미합니다. 진정성을 담아 제작된 상업 영화, 독립 데뷔작, 복원 고전을 한 상영관에 함께 배치하여 세대와 감성을 잇는 자연스러운 대화를 유도하고자 합니다. 올해 엽기적인 그녀와 추격자가 3670, 한란, 성성한 창과 함께 상영된 것이 대표적인 예입니다. 감독들의 참석 역시 매우 중요합니다. 관객이 창작자와 직접 대화를 나눌 때 상영회의 의미는 완전히 달라집니다. 이러한 대화와 에너지, 인적 연결은 스마트폰이나 스트리밍 플랫폼에서는 대체할 수 없는 영화제만의 존재 이유입니다.”
2. 영화제 내에서 한국 영화가 갖는 특별한 점은 무엇인가요?
사무엘 자미에: “한국 영화는 제게 매우 개인적인 의미를 가집니다. 브르타뉴에서 자란 입양아로서, 한국어를 배우거나 직접 방문하기 훨씬 전부터 영화는 한국을 처음 접하게 해준 통로였습니다. 영화는 단 한 편 안에서도 현대성, 역사적 깊이, 코미디, 폭력성, 감수성, 정치적 분열을 동시에 보여주었습니다. 그렇기 때문에 저는 한국 영화를 단일 장르나 '국가 브랜드'로 단순화하는 것에 항상 반대해 왔습니다. 한국 영화의 힘은 다채로운 스펙트럼과 상업 영화 및 작가주의 영화 전통 간의 놀라운 유연성에서 나옵니다. 한국 감독들은 스릴러, 멜로, 코미디, 호러, 사극 등을 한 작품 안에서도 자유롭게 넘나듭니다. 역사적 트라우마, 계급 갈등, 가족적 의무, 정치적 분열이 계몽적이지 않게 서사에 자연스럽게 녹아듭니다. 감정적 톤이 여러 번 변화하면서도 일관성을 유지하며, 완벽하지 않은 영화라 할지라도 지루한 경우는 드뭅니다. 이러한 창의적 역동성이 프로그래밍에서의 독보적인 위치와 관객들의 애정을 설명해 줍니다.”
3. 프로그램에 포함될 한국 영화와 감독은 어떤 기준으로 선정하나요?
사무엘 자미에: “한국 영화를 선정할 때는 주요 극장 개봉작, 독립 제작물, 부산이나 전주 같은 영화제 출품작, 시리즈를 통해 떠오르는 신진 감독, 복원작, 디아스포라 영화 등 산업의 다양한 영역을 주시합니다. 프로그래머들이 가능한 한 많은 작품을 관람한 후 토론과 조율을 거쳐 편집 방향을 설정합니다. 첫 번째 질문은 '상영 후에도 영화가 마음에 남는가?'입니다. 이어 뉴욕 관객에게 미칠 영향, 전체 라인업과의 조화, 그리고 관객이 평소 접하기 힘든 한국 영화의 새로운 면모를 보여주는지를 검토합니다. 야당(Colony or Hope)은 대형 상영에 적합한 블록버스터 에너지를 가졌고, 왕을 찾아서(The King’s Warden)는 해외에서 간과되기 쉬운 한국 국내 관객의 취향을 반영합니다. 한란과 내 이름은은 서로 다른 영화적 전통을 통해 제주 4.3을 다룹니다. 3670은 그동안 드물게 다루어진 퀴어 서울을 조명하며, 성성한 창은 잔잔하고 문학적인 흐름을 대표합니다. 저희는 영화들이 서로 보완하고 때로는 대비되며 다층적인 한국의 초상을 완성하기를 바랍니다.”
4. 최근 한국 영화에서 어떤 트렌드를 읽을 수 있나요?
사무엘 자미에: “투자 환경이 신중해지면서 중간 규모 예산의 영화가 줄어들고, 대기업들은 소수의 대형 프로젝트에 집중하고 있습니다. 이로 인해 신진 감독들이 더 큰 규모의 영화로 진입하기가 어려워졌습니다. 형사 코미디, 사회적 우화, 컨셉 스릴러 등 성공 공식이 반복되는 경향도 있습니다. 하지만 한국 관객은 눈높이가 높고 쉽게 피로감을 느끼기 때문에 산업은 끊임없이 변화를 모색해야 합니다. 하명미 감독은 her것들의 시골적 폭력성에서 한란의 역사적 규모로 스펙트럼을 넓혔고, 박준호 감독은 3670에서 탈북민과 퀴어 커뮤니티를 연결했으며, 김종관 감독은 소소한 일상 속 드라매를 바탕으로 서울의 문학적 영화 세계를 이어가고 있습니다. 중요한 과제는 이들 감독이 다음 작품을 이어나갈 수 있는 충분한 공간이 제공되느냐 하는 점입니다. 시스템이 지속적인 창작을 지원하지 않는다면 한국 영화의 생동감 일부가 위축될 위험이 있습니다.”
5. 영화제는 한국 독립 영화 감독들을 어떻게 지원하나요?
Samuel Jamier: “뛰어난 작품이라도 감독의 인지도가 낮다는 이유만으로 묻히는 경우가 있습니다. 저희 영화제는 주요 프리미어 상영, 매진된 관객석, 깊이 있는 Q&A, 배급사 및 프로듀서와의 연결을 통해 이러한 불리함을 줄이고자 합니다. 지원이란 장기적인 관계에 투자하는 것이기도 합니다. 한 번의 소개로 끝나는 것이 아니라, 두 번째, 세 번째의 더 발전된 작품으로 감독을 다시 초청하고자 합니다. 전반적으로 독립 영화 감독들에게는 국내외에서 지속적으로 장편을 제작하고 선보일 수 있는 제작 및 배급 환경이 필요합니다. 뉴욕에서의 성공적인 상영은 관객층 입증, 언론 보도, 국제적 관심으로 이어지는 실질적인 지원이 됩니다.”
6. 영화제는 한국과 미국 간의 문화적 다리를 놓는 데 어떻게 기여하나요?
사무엘 자미에: “영화는 2시간 동안 관객을 타인의 삶과 공포, 슬픔, 일상 속으로 몰입시키는 독특한 교류를 가능하게 합니다. 다른 매체에서는 얻기 힘든 감정적 접근성을 제공합니다. 올해 많은 뉴욕 관객들이 사전 지식 없이도 한란과 내 이름은을 통해 제주 4.3의 역사를 접했습니다. 또한 앤드류 안, 저스틴 H. 민 등 재미한인 아티스트들의 경험을 동일한 라인업에 배치합니다. 뉴욕에서 한국 영화는 이주, 입양, 디아스포라, 혼혈 정체성을 자연스럽게 포용합니다. 제주의 풍경, 3670의 퀴어 소셜 공간, 재미한인 가족의 구조는 관객들에게 구체적인 공감대를 제공하며 지속 가능한 문화적 교류를 만들어냅니다.”
Jason Edwards – Interviews
