Interview – Kim Soo‑young

Writing from Luxembourg provides a certain distance from Korea while still allowing a close interest in its cultural field. This position makes it natural to follow creators who work between countries. Among them is Kim Soo‑young, a scholar and artist whose research examines fashion through the body and its cultural meaning.

Her background immediately stands out. She approaches fashion as a narrative shaped by physical form rather than as a sequence of trends. Her career has taken her between Seoul and Paris, where she has worked in academic institutions, archives, studios, and classrooms. She combines research and artistic practice, using both to study how societies assign meaning to the body.

Her recent book led to an email interview on June 29. The publication looks at how different periods have focused on specific parts of the body and turned them into symbols of desire, norms, or social expectations. These themes extend beyond fashion and reflect broader cultural questions.

The project began with a small object she found in a Paris flea market. This detail became the starting point for a question she had been considering for years. It illustrates how her work often emerges from close observation and attention to everyday materials.

The book does not present fashion through silhouettes or trends. Instead, it examines how societies have used the body to express values and ideas. Her approach links individual experience with collective history, offering a clear way to understand how the body becomes a cultural reference.

Her dual role as researcher and artist also shapes her perspective. She writes and draws, teaches and exhibits. This combination gives her work a practical and multifaceted character.

The interview below provides insight into her motivations, her method, and the questions she hopes readers will consider. Although she is currently in Georgia for an artist residency program, she kindly took the time to answer our questions.

1. Could you briefly introduce yourself?

Hello, my name is Kim Soo‑young. I am a scholar and artist who studies fashion through the lens of the body, desire, and history. I graduated from Ewha Womans University with a degree in Fashion Design, then completed a Master’s in Fashion Management at Institut Français de la Mode (IFM) in Paris, a Master’s in Design at Sorbonne University, and finally earned my PhD in Art Philosophy at Paris 8 University. I also worked as a visual designer at KENZO, part of the LVMH Group. Currently, I teach at Ewha Womans University, Sungshin Women’s University, and Dankook University while working between Seoul and Paris. My research explores the intersection of aesthetic form, philosophical thought, and social context in fashion, expanding fashion into the realm of cultural studies. Alongside academic writing, I also work as a visual artist, creating drawings that translate fashion-related ideas into images.

2. What motivated you to publish this book? What is its core message?

The book began with a small discovery at a flea market in Paris. That moment triggered a long‑standing question I had carried within me: “Why do we obsess over certain parts of the body and turn them into style?” Studying fashion history reveals that each era highlights specific body parts — the neck, the waist, the legs — as objects of desire. I realized these shifts were not mere trends but reflections of power, gender, morality, and class inscribed onto the body. So I approached fashion not as the history of clothing, but as the history of desire surrounding the body. My core message is that fashion records how we perceive and assign meaning to our own bodies and the bodies of others. Style is not just fabric or silhouette — it is the condensed expression of desire and gaze.

3. What was the most challenging and the most enjoyable part of writing this book?

The biggest challenge was weaving vast primary sources into one coherent narrative. The French National Library’s digital archives contain centuries of scattered texts and images. Finding a consistent thread of “body and desire” and shaping it into a persuasive structure took much longer than expected. Some sections that connected historical narratives with contemporary fashion had to be cut due to length, which I still feel slightly regretful about. But that regret became motivation for my next project — a book on men’s fashion. The most enjoyable moments were when unexpected connections emerged between old illustrations or documents. When fragments from different eras suddenly aligned into one meaning, it felt like completing a puzzle.

4. How is the Soo Exhibition Project connected to this book?

Soo Exhibition Project is my personal exhibition practice as a visual artist. I am represented by Bruno Massa Gallery in France and participate in various international art fairs. Although the project is not directly linked to the book, I see writing and drawing as two forms of the same creative root. Academic writing builds ideas through logic and sources, while drawing expresses the sensory and intuitive side of those ideas. In the book, I explored the history of the body and desire through structured argumentation. In my exhibitions, I explore the same themes — body, gaze, desire — through images without formal constraints. For me, research, writing, and artistic practice are not separate fields but different languages for the same questions.

5. Which part of the book reveals your most personal perspective?

The book is primarily academic, analyzing Western fashion culture through body parts. But the most personal section is the chapter on skin, where I discuss the origins of the Korean “tte‑miri” exfoliating towel. Korea’s rough exfoliation culture contrasts sharply with France’s softer bathing tools. This difference reflects deeper cultural attitudes toward skin, cleanliness, and the body. Having lived between Korea and France allowed me to notice this contrast — a perspective that blends scholarly analysis with personal experience.

6. How do Korean readers react differently compared to overseas readers?

The book is written in Korean, so strictly speaking, there is no broad “French reader response” except for a few who can read Korean. What is interesting, however, is that although the sources are Western, the interpretation and audience are Korean. Korean readers encounter familiar Western fashion images through an unfamiliar lens — the body and desire — and many said they discovered a new way of reading fashion. If the book had been written in French, this analytical distance might not have been possible. I hope future translations will allow readers from other cultures to engage with this perspective.

7. Could you share your upcoming projects or ideas for your next book?

I am currently working on a new book about men’s fashion. While the previous book traced Western fashion history through body parts, the next one will explore how masculinity and the aesthetics of the “beautiful man” have evolved from early modern Europe to today, using iconic male fashion figures as anchors. The project will draw on theories of masculinity, gender performance, and the relationship between power and style, while maintaining a comparative perspective between Western and East Asian contexts.

8. What do you hope readers will feel or think after reading your book?

The book is based on rare archival materials not easily accessible online. As a professor, my hope is that readers will develop their own perspective on fashion and the body. Rather than simply absorbing historical facts, I want them to question the clothes they wear and the bodies they see around them. That ability to ask questions is what I hope to inspire in both my students and my readers.

9. Do you have a message for international readers, especially those reading through Korea.net?

Having lived between Korea and France for many years, I realized that fashion is ultimately a mirror of how a society views the body and the human being. Rewriting Western fashion history through a Korean scholar’s perspective was a way of making the familiar unfamiliar — and discovering questions that only someone standing between two cultures can see. To international readers encountering this story through Korea.net, I want to say: Questions about fashion, the body, and desire are not limited to any one culture. I hope this book encourages you to reflect on how your own culture has shaped the way you look at bodies and style. And I sincerely hope this research will one day be translated into more languages, reaching readers around the world.

Portfolio: artspoon.io/showcase/soo
Instagram: @soo_exhibitionprojects
Book: Kyobo Bookstore

몸을 통해 욕망을 추적하다: 학자이자 예술가 김수영과의 대화

룩셈부르크에서 글을 쓴다는 것은 한국과 일정한 거리를 두면서도 한국 문화에 대한 관심을 유지할 수 있는 독특한 위치를 제공합니다. 이 위치는 자연스럽게 여러 나라를 오가며 활동하는 창작자들을 주목하게 만듭니다. 그중 한 명이 바로 패션을 몸과 문화적 의미의 관점에서 연구하는 학자이자 예술가, 김수영입니다.

그녀의 배경은 단번에 눈에 띕니다. 그녀는 패션을 유행의 연속이 아니라 신체가 만들어내는 서사로 접근합니다. 서울과 파리를 오가며 학계, 아카이브, 스튜디오, 강의실 등 다양한 공간에서 활동해 왔습니다. 연구와 예술 활동을 결합해 사회가 몸에 의미를 부여하는 방식을 탐구합니다.

최근 출간한 책을 계기로 6월 29일 이메일 인터뷰가 진행되었습니다. 이 책은 시대마다 특정 신체 부위가 욕망, 규범, 사회적 기대의 상징으로 어떻게 변해왔는지를 살펴봅니다. 이는 패션을 넘어 더 넓은 문화적 질문으로 이어집니다.

이 프로젝트는 파리의 벼룩시장에서 발견한 작은 물건에서 시작되었습니다. 이 사소한 발견이 그녀가 오랫동안 품어온 질문의 출발점이 되었습니다. 이는 그녀의 작업이 일상적 소재와 세심한 관찰에서 자주 출발한다는 점을 보여줍니다.

이 책은 실루엣이나 트렌드를 중심으로 패션을 설명하지 않습니다. 대신 사회가 몸을 통해 가치와 관념을 어떻게 표현해왔는지를 탐구합니다. 개인의 경험과 집단의 역사를 연결하며, 몸이 문화적 참조가 되는 방식을 명확하게 보여줍니다.

연구자이자 예술가라는 이중적 역할은 그녀의 시각을 더욱 풍부하게 만듭니다. 글을 쓰고 그림을 그리고, 가르치고 전시합니다. 이러한 결합은 그녀의 작업에 실천적이고 다층적인 성격을 부여합니다.

아래 인터뷰는 그녀의 동기, 방법론, 그리고 독자들이 생각해보길 바라는 질문들을 담고 있습니다. 현재 그녀는 조지아에서 아티스트 레지던시 프로그램에 참여 중이지만, 바쁜 일정 속에서도 인터뷰에 응해주었습니다.

1. 간단히 자기소개를 부탁드립니다.

안녕하세요, 저는 김수영입니다. 저는 몸, 욕망, 역사라는 관점에서 패션을 연구하는 학자이자 예술가입니다. 이화여자대학교에서 패션디자인을 전공한 뒤, 파리의 IFM에서 패션 매니지먼트 석사, 소르본대학교에서 디자인 석사, 파리8대학에서 예술철학 박사 학위를 받았습니다. 또한 LVMH 그룹의 KENZO에서 비주얼 디자이너로 근무한 경험도 있습니다.

현재는 이화여자대학교, 성신여자대학교, 단국대학교에서 강의하며 서울과 파리를 오가며 활동하고 있습니다. 제 연구는 미적 형식, 철학적 사유, 사회적 맥락이 패션에서 어떻게 교차하는지를 탐구하며, 패션을 문화연구의 영역으로 확장하고자 합니다. 학술 연구와 더불어 패션적 아이디어를 이미지로 번역하는 드로잉 작업도 병행하고 있습니다.

2. 이 책을 출간하게 된 동기는 무엇인가요? 핵심 메시지는 무엇인가요?

이 책은 파리의 벼룩시장에서 발견한 작은 물건에서 시작되었습니다. 그 순간, 제가 오랫동안 마음속에 품어온 질문이 떠올랐습니다: “왜 우리는 특정 신체 부위에 집착하며 그것을 스타일로 만들까?”

패션사를 살펴보면 각 시대는 목, 허리, 다리 등 특정 신체 부위를 욕망의 대상으로 강조해왔습니다. 저는 이러한 변화가 단순한 유행이 아니라 권력, 젠더, 도덕, 계급이 몸에 새겨진 흔적이라는 사실을 깨달았습니다.

그래서 저는 패션을 의복의 역사가 아니라 몸을 둘러싼 욕망의 역사로 접근했습니다. 이 책의 핵심 메시지는 패션이 우리가 자신의 몸과 타인의 몸을 어떻게 인식하고 의미를 부여하는지를 기록하는 문화적 장치라는 것입니다.

3. 책을 쓰면서 가장 어려웠던 점과 가장 즐거웠던 순간은 무엇인가요?

가장 어려웠던 점은 방대한 1차 자료를 하나의 서사로 엮는 일이었습니다. 프랑스 국립도서관의 디지털 아카이브에는 수세기에 걸친 텍스트와 이미지가 흩어져 있습니다. 그 속에서 몸과 욕망이라는 일관된 흐름을 찾아 설득력 있는 구조로 만드는 데 많은 시간이 걸렸습니다.

일부 현대 패션과 역사적 서사를 연결하는 섹션은 분량 문제로 삭제해야 했는데, 지금도 약간의 아쉬움이 남습니다. 하지만 그 아쉬움이 다음 프로젝트 — 남성 패션에 관한 책 — 의 동기가 되었습니다.

가장 즐거웠던 순간은 오래된 삽화나 문서들 사이에서 예상치 못한 연결이 나타날 때였습니다. 서로 다른 시대의 조각들이 하나의 의미로 맞물릴 때 퍼즐을 완성하는 듯한 기쁨이 있었습니다.

4. Soo Exhibition Project는 이 책과 어떤 관련이 있나요?

Soo Exhibition Project는 제가 시각 예술가로서 진행하는 개인 전시 프로젝트입니다. 저는 프랑스의 Bruno Massa Gallery 소속으로 여러 국제 아트페어에 참여하고 있습니다.

이 프로젝트는 책과 직접적으로 연결되지는 않지만, 저는 글쓰기와 드로잉이 같은 뿌리에서 나온 두 가지 창작 방식이라고 생각합니다. 학술 글쓰기는 논리와 자료를 통해 아이디어를 구축하고, 드로잉은 그 아이디어의 감각적·직관적 측면을 이미지로 표현합니다.

5. 책에서 가장 개인적인 시각이 드러나는 부분은 무엇인가요?

이 책은 서구 패션 문화를 신체 부위 중심으로 분석하는 학술적 작업입니다. 하지만 가장 개인적인 부분은 피부를 다룬 챕터입니다. 여기서 저는 한국의 때밀이 문화의 기원을 다룹니다.

한국의 거친 각질 제거 문화는 프랑스의 부드러운 목욕 도구와 극명하게 대비됩니다. 이 차이는 피부, 청결, 몸에 대한 문화적 태도의 깊은 차이를 반영합니다.

6. 한국 독자와 해외 독자의 반응은 어떻게 다른가요?

이 책은 한국어로 쓰였기 때문에 해외 독자의 반응은 한국어를 읽을 수 있는 소수에 한정됩니다. 흥미로운 점은 자료는 서구의 것이지만, 해석과 독자는 한국이라는 점입니다.

한국 독자들은 익숙한 서구 패션 이미지를 몸과 욕망이라는 새로운 렌즈를 통해 접하게 되며, 많은 분들이 패션을 읽는 새로운 방식을 발견했다고 말했습니다.

7. 다음 책이나 향후 프로젝트가 있다면 소개해 주세요.

현재 저는 남성 패션에 관한 새로운 책을 준비 중입니다. 이전 책이 서구 패션사를 신체 부위 중심으로 추적했다면, 이번 책은 근대 유럽부터 오늘날까지 남성성, ‘아름다운 남성’의 미학이 어떻게 변화했는지를 탐구합니다.

8. 독자들이 이 책을 읽고 어떤 생각이나 감정을 느끼길 바라나요?

이 책은 온라인에서 쉽게 접근할 수 없는 희귀 아카이브 자료를 기반으로 합니다. 저는 독자들이 패션과 몸에 대한 자기만의 관점을 갖게 되길 바랍니다.

단순히 역사적 사실을 받아들이는 것이 아니라, 입고 있는 옷과 주변의 몸을 스스로 질문하는 능력을 갖게 되길 바랍니다.

9. 국제 독자들에게 전하고 싶은 말이 있다면?

패션은 결국 사회가 몸과 인간을 어떻게 바라보는지를 보여주는 거울입니다. 서구 패션사를 한국 학자의 시각으로 다시 쓰는 작업은 익숙한 것을 낯설게 만들고, 두 문화 사이에 서 있는 사람만이 볼 수 있는 질문을 발견하는 과정이었습니다.

이 책이 여러분 자신의 문화가 몸과 스타일을 바라보는 방식을 돌아보는 계기가 되길 바랍니다.